Crítica : 'Tancredi', de Rossini

Cuando las mujeres toman las riendas

Volvía Rossini a las tablas del Maestranza y ya se le echaba de menos. La propuesta caballeresca llena de buenas intenciones de la novela de Voltaire se convertía en ópera a golpe de platillo y trémolo de la mano del genio de Pésaro.

El melodrama estaba bien construido. En ningún momento se notó que la Sinfónica hispalense faltara en el foso, a pesar de estar sustituída por una acertada Orquesta Ciudad de Granada, que hizo desfilar de manera clara y sentida las distintas cavatinas y arias del Tancredi.

En el escenario, un sobrio decorado de formas redondas y plataformas en blanco y negro pincelado de color por hermosos caballos de justa salidos de un tiovivo romántico (acertada propuesta la de Kokkos) y marionetas ocasionales que permitían un descanso a los actores.

En la música, sobresalió una flamante Daniela Barcellona que interpretaba al caballero Tancredi, y demostraba una vez más que, no en vano, es llamada una de las mejores mezzos del momento. Barcellona canta como quiere: sentada, recostada, en cuclillas, de pie, con el brazo estirado hacia el cielo, tumbada... Su cuerpo se amolda a la situación para no perder viveza ni tersura en la interpretación.

Kunde en el papel de Argirio regaló también momentos brillantes de dramatismo y, a pesar de perder algo el control en los pianos, ofreció maestría teatral en cada aria. Mágico el momento con Barcellona sentados en el suelo de la cárcel.
Amenaide venía interpretada por Mariella Devia, una soprano correcta e incluso notable en algunos pasajes. La deslucieron unos 'bravos' provenientes del patio que no le hicieron ningún bien, no sabemos si fruto de una euforia mal contenida o de una clá demasiado cantosa para una soprano que no la necesitaba por méritos propios. A pesar de todo, el dueto del final del primer acto en la escalinata del castillo fue dulce, acogedor y convincente.

Los demás cantantes estuvieron a la altura. Gierlach se mostró un tanto cansado, quizá por ser la última representación en la capital, Tobella fue una sirena de terciopelo en el papel de Isaura (tanto por la voz como por el traje), y Rivas estuvo bien pero sin destacar (tampoco el papel lo permitía).

Una obra bien montada con una orquesta que demuestra cada vez más que merece un teatro propio en la ciudad de la Alhambra, y a la que veremos el miércoles de nuevo en la sala del Arenal. A ver si para la próxima no tenemos que esperar tanto.

Música de Tomás Marco para el Mito de la Caverna

El Teatro de la Maestranza da esta noche una versión de la ópera Segismundo (Soñar el sueño) del compositor cántabro Tomás Marco (1942). La Sala Manuel García acoge la representación de esta ópera de bolsillo en 3 escenas que el Premio Nacional de la Música de 2002 pone en manos del director musical José Luís Temes.

Para esta pieza, Marco se inspira no sólo en los versos de La vida es sueño de Calderón de la Barca, sino que la complementa con textos de Platón, René Descartes, y un poema del sevillano Alberto Lista. El compositor se enfrenta a los versos de Calderón con una mirada distinta, desde el respeto, sin querer acallar la poesía del escritor con su música.

Sintetizadores, clarinetes, percusión y un cello bastan para dar vida al Segismundo encerrado en la torre que representa el contratenor David Azurza, cantante además para el que fue compuesto el libreto. La acción se centra en el hombre perdido con sólo acompañamiento de 3 actores, que resultan anecdóticos, dejando todo el espacio interpretativo a Azurza.

El Mito de la Caverna y el concepto de realidad se desdibujan para mezclarse con los razonamientos de Descartes y la poesía de Calderón y Lista, pasando por el mito de Edipo, del padre que viene del hijo y del hijo que procede del padre.

Marco huye del neobarroquismo que podría ser lo más lógico para un libreto de estas características y se adentra en una armonía casi transparente que sirven sólo de guarnición a un texto más que bien servido. Es algo que el cántabro sabe hacer bien, como lo ha demostrado en otras obras para las que ha utilizado textos de Bécquer, Homero y Cervantes.

La programación por parte de Halffter de Segismundo en el Maestranza no es más que otra muestra de agradecimiento a un compositor que ha estrenado varias de sus obras en Sevilla, y que ha confesado sentir cierta predilección por la ciudad, algo al parecer recíproco, debido a la ausencia de localidades libres para la función de esta noche.

El apocalíptico Fausto de Busoni abre la temporada lírica del Maestranza

El Teatro de la Maestranza abre mañana su temporada operística con Doktor Faust, la obra póstuma del compositor italiano Ferruccio Busoni. Estrenada en 1925 en el Teatro Estatal de Dresde, la reinterpretación del mito alemán llega a Sevilla como un reto que entraña "ambición y grandiosidad", según ha explicado el director musical Pedro Halffter, quien también dirigirá a la ROSS en ésta ocasión.

Durante los días 21, 23, 25 y 27, el coliseo sevillano se llenará de un mito siniestro más que conocido por todos, pero cuya partitura no se acerca, como la de Berlioz, a los escritos de Goethe, sino que recurre a la tradición oral germana y a la obra de 1588 del dramaturgo Christopher Marlowe.

En el escenario del Arenal confluyen para este montaje oscuros paisajes diseñados para un estreno nacional, producción de la Staatsoper unter den linden de Berlín. El demonio que acecha a este doctor hasta hacerle vender su alma se reencarna en un Mefistófeles interpretado por el tenor Robert Brubaker, mientras que para el papel principal, el del singular Fausto, se ha elegido al barítono Christopher Robertson.

La ópera, obra maestra de Busoni a pesar de que murió dejándola inconclusa y hubo de ser terminada por su discípulo Philipp Jarnach, representa el grito de la Humanidad por encontrar su propio espíritu, del que se haya despojada. Pactos con el diablo, venganza, derramamiento de sangre inocente, egoísmo, ambición y redención confluyen en el escenario del Maestranza a través del libreto del propio Busoni, quien comienza la acción con la entrega del libro de hechizos al doctor Fausto por parte de tres almas errantes que no confiesan lo que quieren a cambio. La huida del novelesco Fausto busoniano llevará al espectador hasta la Catedral de Berlín (en la que podrá oirse al maestro Ayarra al teclado del órgano del templo sevillano interpretando el Interludio) y el Palacio de los Duques de Parma, para regresar finalmente a las calles de la capital alemana, en donde el desdichado Fausto cumplirá su acuerdo con el maligno, a través de una "resurrección autoasistida".

Ferruccio Busoni, pianista virtuoso admirador de Liszt (de cuya Sinfonía Fausto tomaría la idea para su ópera), profesor en Bolonia, ensayista, director de orquesta y teórico; nunca se alejó de la música tonal a pesar de vivir en plena efervescencia de las vanguardias, apostando por la politonalidad y la concentración de los estilos musicales propios del teatro, la Iglesia, el concierto y el pueblo en un repertorio contundente que va desde la canción folclórica al contrapunto barroco y la claridad armónica del Renacimiento, sin dejar de lado la herencia empática del Romanticismo.

Doktor Faust se presentó en 1996 en el Festival de Salzburgo, y luego viajó hasta Nueva York y Berlín. Su llegada al Teatro de la Maestranza ha sido interpretada por muchas publicaciones especializadas como "uno de los diez espectáculos imprescindibles de la temporada lírica española".